Nuevo Blog

Nueva dirección de blog. Ahora en WordPress:



http://ciudadbohemia.wordpress.com/




Sigue disfrutando del mismo contenido pero con mejor diseño y mayor dinamismo

Ciudad Bohemia III Etapa

Es hora de cerrar otra etapa. Tras unos cuantos meses –desde abril– habiendo iniciado lo que pasó a llamarse la II Etapa para el blog, ahora toca volver a renovarse con la intención de no quedarse nunca estático. Blogger se ha quedado muy limitado en cuanto a funcionalidad, diseño y sobre todo en cuanto a html relacionado con incompatibilidades; de ahí que haya decidido cambiar a WordPress, una plataforma más estable en todos los sentidos, a lo que viene unido una mejora en la visibilidad del diseño.

Espero que los lectores habituales de Ciudad Bohemia en la anterior plataforma lo sigáis haciendo en la nueva, y que colaboréis con vuestros comentarios y sugerencias. Como siempre se suele decir: También dar la bienvenida a los nuevos lectores, a quienes deseo la unión con los ya existentes.

La música seguirá al mayor ritmo que se pueda, compatibilizando las diferentes tareas y disfrutando de todas ellas. Intentaré seguir con mi apoyo a la escena nacional si el tiempo lo permite y los grupos siguen colaborando tan bien como lo han hecho hasta ahora; es necesario dar un impulso para crecer.

Sólo daros las gracias a todos los que lo habéis hecho posible que hoy Ciudad Bohemia, y principalmente un servidor, haya conseguido muchas de las metas propuestas. Ha sido indispensable el apoyo recibido.

Para los lerctores en Blogger, la nueva dirección es la siguiente: http://ciudadbohemia.wordpress.com/

Nos vemos en el siguiente post,

Un saludo,

Ciudad Bohemia

The Right Ons + The Ettes – El Sol (Madrid)

The Right Ons + The Ettes – Sala El Sol (Madrid) – 30/11/2007

Nadie se sorprende ya cuando en vez de comenzar a las 22:30 comienza una hora más tarde, por desgracia en muchas ocasiones se va estableciendo como habitual; en otras también es debido por la imposibilidad del grupo a llegar antes a la cita ya que la noche anterior ha tocado a más de 500 km. Por diferentes motivos los asistentes tuvimos que esperar a que el trío estadounidense The Ettes apareciese en el escenario, y eso, pues no gusta a nadie.

El grupo realizaba el primer concierto en España y lo hacía nada menos que en la sala más emblemática de Madrid, aunque no parecía afectarles el recinto, no así el público asistente en él. Su directo fue explosivo, Maria “Poni” Silver a la batería se encargo de marcar el ritmo que tanto bajo y guitarra incluían en el punk de Ramones o el garage de los inicios de The White Stripes. Causaron una gran impresión, pese a los rifirrafes de un desilusionado Jeremy Cohen al ver que la gente casi ni respondía a su música, y el recuerdo de Lindsay “Coco” Hames a la carismática Karina debido a sus miles de gracias a cada instante.

Pero el plato fuerte venía después. Con un ambiente propicio, con la sala llena por completo –algo que no esperaba el grupo–, The Right Ons salieron dispuestos a demostrar el porqué de la confianza dada y sobre todo, a demostrar la calidad de su música en directo.

Los temas de su disco 80.81 (2007, 2Fer Records) sonaron más potentes que en el compacto, grabado también en directo, sin adulterar el proceso una vez acabado. El sonido evadía la tranquilidad que podía asociarse a algunas canciones, donde la influencia negra desde el soul o el funk fue menor a favor del rock o incluso acercamientos al punk. Lo que estaba claro es que ellos querían hacer bailar a los asistentes, sin intención de encasillarse en un sonido determinado. Para ello, incluso regalaron panderetas con el nombre del grupo que a muchos les duraron más bien poco.

Las canciones que más destacaron fueron “Pretty Suck”, abriendo de la misma forma que en su debut discográfico al encadenar los tres primeros temas, donde “Do Your Thing, Babe” sigue demostrando el por qué de su elección como single de presentación, “Easy If You Try” tuvo más carga que en el álbum, y fue “Tell Me 'Bout the Good Times” la que puso inicio a la mejor parte cuando supuestamente se despedían del concierto, uniéndola con el imparable “Shake, Shake, Shake”. Pero la despedía era ficticia, pese a las mil veces anunciada por el batería Ramiro Nieto, aún quedaban los temas “Walking On the River” y “We Gotta Get Together”, con el que sí pusieron el broche a un directo que no defraudó en absoluto. Marcha, baile y alegría, los elementos de los que ellos se valen para construir su música.

para Muzikalia

The Right Ons - Do Your Thing, Babe (Live at Radio3)

Vacabou – Twelve Songs Inside

Vacabou – Twelve Songs Inside – Primeros Pasitos – 2007

Segunda entrega del grupo afincando en Mallorca formado por Juan Feliu y Pascale Saravelli. Se presentaron al mercado con un gran debut homónimo hace ya cuatro años y desde ese momento no han parado de crecer. Despertaron el interés tanto de crítica como de público, y no contentos con ello exportaron el disco a diferentes países en los que siguieron recibiendo alabanzas. Países donde es difícil hacerse de notar, y en los que la música procedente de España tiene escasa, por no decir nula, presencia en el mercado. Desde Gran Bretaña a EE.UU. pasando por Francia, de donde es originaria Pascale Saravelli. La gran baza con la que cuenta el dúo es la atemporalidad de su música, la facilidad con la que atrapa al receptor, y sobre todo, con lo universal de su propuesta.

Se mueven en una frontera cada vez más confusa y difuminada, donde el pop deja paso a la electrónica y viceversa. La tranquilidad del downtempo está presente en todas las canciones del disco, en ocasiones hay titubeos hacia un lounge suave y en otras es el post-trip-hop el que influencia las bases. En Vacabou (2003) la presencia de Portishead era mayor, dejando de lado el componente oscuro de la banda de Bristol sí que derivaban a registros parecidos, sobre todo en la concepción de la voz frente a la melodía. Twelve Songs Inside por el contrario se sitúa en terrenos más cercanos al pop que a la electrónica.

Lo que no cambian es la delicadeza con la que abordan la música. Es en este aspecto donde el disco adquiere el gran nivel que contiene. Canciones como “Febrero” o “Someone, Somewhere” demuestran el porqué levantó tantos elogios su anterior disco. Alegre y cuidado a la vez, el resultado conmueve a cualquiera. En “The Earth (Just Without Us)” Juan Feliu es quien toma el protagonismo en las estrofas, dejando paso en el estribillo a su compañera de reparto recordando así los grandes duetos de los 70 a dos voces. Junto a este tema destaca “Musco Memerois”, lento, pausado y oscuro; y “Time Zone Trip” en el que el lounge se mezcla con tempos rápidos y pausados.

Un desarrollo muy cuidado desde el principio hasta el final. Desde el diseño físico del trabajo, el cual ya merece la adquisición y unos cuantos elogios a FCM Darder por la gran obra hecha, a la sensación de tranquilidad que transmite el disco en constantes escuchas. Y algo muy destacable en un género donde no se suele dar: las letras compaginan a la perfección con la melodía y la voz, no son mero trámite que se unen con los beats de una base constante. Colores y sensaciones como los elementos que construyen el diseño, muy recomendado para disfrutarlo.

para Muzikalia

Vacabou - To Russia In White

Muzak – Emulsió

Muzak – Emulsió – Very Solid Groove Records – 2007

Hace poco Triángulo de Amor Bizarro me respondían a cómo estaba la escena española con: “sigue pasando lo de siempre, lo más interesante está muy enterrado por toneladas de basura”. Uno de los mejores ejemplos es este grupo: Muzak. Acaban de firmar uno de los discos del año, publicando su tercera referencia desde que comenzaron en el 2000 y aún hoy siguen siendo desconocidos para la mayoría.

Para más inri la publicación ha caído de nuevo bajo Very Solid Groove Records autoeditado con la banda, lo que refleja el escaso sitio que tienen estas propuestas en nuestra escena. En vez de un label con mayor presencia en el mercado, ha tenido que ser publicado por un sello que no goza de las condiciones necesarias impuestas por el sistema para poder distribuir, promocionar y dar a conocer el trabajo de los barceloneses. Ahora eso sí, si este disco hubiese sido firmado por un grupo de jóvenes en Glasgow ya lo tendríamos como portada en cualquier revista de tendencias.

Y es que Emulsió no es un disco cualquiera, la calidad que hay en él desde la primera canción hasta la última, ralla la perfección. Todo esto tras la publicación el año pasado de Escenes en Cercles (2006) bajo el mismo sello. Trabajo que ya les consolidó como grupo a seguir recibiendo buenas críticas por todos los lados. Y al parecer no había bastante, si Escenes en Cercles conseguía erigirse en la experimentación a la hora de construir los temas, ahora Emulsió ha dado un paso más en el sonido. Todo tiene más fuerza, mejor construido, y con ritmos nuevos en los que derivar. Sorprende el poco tiempo entre ambos trabajos y el salto tan grande que se ve en ellos.

El ejemplo donde llevan todo hasta el último extremo es en la combinación de tres temas en uno solo: “Mediterraneo/Necio/Bso”. Los casi catorce minutos de duración juegan con acercamientos al free jazz, tanto en el saxo como en la batería, como con partes de post-rock potente en las guitarras. Evitando la separación de las temas de forma evidente, con breaks que cambian el ritmo como si se intentase hacer un solo ejercicio de experimentación.

El resto también posee algo que les hace imparables. La batería jazzy con el riff pegadizo de “No Madrid No” que rompe la canción en dos; la oscura “Valdric” en la que el saxo se halla por detrás de una melodía post-rock fuerte; la influencia del kraut-rock que modifican a su antojo en “Vigor Mountain” o el cierre experimental de “Marion Grey” en el que combinan todos los instrumentos variando el ritmo. Por el camino se queda la extraña “Invocando a Mabuse” entre experimento y juego, con la intriga de si es el pintor renacentista quien da nombre al tema y el por qué de su elección.

Un disco imprescindible para tener en la discoteca personal de cada uno, a nivel de grandes como Tortoise o Mogwai. Esperemos que sigan teniendo la posibilidad de publicar más trabajos, ya sea fuera o dentro de España, pero que sigan mejorando para poder disfrutar de su música. ¡Una maravilla!

para AbsolutZine

Muzak - Emulsió

The World/Inferno Friendship Society – Addicted to Bad Ideas

The World/Inferno Friendship Society – Addicted to Bad Ideas – Chunksaah Records – 2007

Desconocida para muchos, la música de The World/Inferno Friendship Society es una de las propuestas más eclécticas de los últimos años en Estados Unidos, donde cuentan con un gran número de seguidores. De primeras sorprende su sonido, más si nunca habías oído nada de ellos o de alguien parecido. Esta sorpresa se va transformando en alegría cuando los ritmos de sus canciones se van haciendo más similares.

El eclecticismo del grupo de Brooklyn queda latente a la hora de acercarse a ellos, la mezcla que elaboran se nutre de géneros muy bien combinados entre sí para transmitir un ritmo bueno, y en cierto modo fuera de lo corriente. Desde la música folklórica irlandesa hasta el punk, y entre medias circo, cabaret, indie rock y todo lo que lleve cierta vida en la melodía. Para esto cuentan con un gran número de miembros consiguiendo la riqueza instrumental entre guitarras, violines e incluso campanas y la mezcla entre variantes del saxo (tenor, alto y barítono).

En cuanto a la construcción del trabajo las referencias son otras, los primeros 70 con óperas conceptuales como Tommy (1969) y Quadrophenia (1973) de The Who, o The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars de Bowie (1972), sólo que en este caso el punto de atención se centra en la figura de Peter Lorre, conocido actor húngaro principalmente por su papel en M (1931), del cual repasan toda su vida, y le dedican el subtítulo del disco: Peter Lorre's Twentieth Century.

Para dicho repaso qué mejor que una obertura fiel al estilo del vals europeo, con los violines creando una gran melodía, y variando el ritmo con la regrabación del tema "Pete Lorre”, ya publicado en Just the Best Party (2002), al igual que “Heart Attack '64”. Dicha combinación de parte lenta y una potente subida deja claro cuáles van a ser las intenciones de las siguientes canciones. Otra de las más destacadas se halla al inicio, “With a Good Criminal Heart” sigue la estructura de la anterior con breaks que varían el tempo, con Jack Terricloth haciéndose él solo con el tema, y con una gran melodía final. Es con la llegada de “Ich Erinnere Mich an Die Weimarer Republik” donde está el momento álgido del disco, puro ritmo que por momentos podría verse como una buena aproximación al ska. Anteriormente “'M' Is for Morphine” relata la adicción de Lorre con esta droga lo que le acabó llevando a la muerte tras una depresión.

Por otro lado no todo suena tan fresco como las mencionadas, “Everybody Comes to Rick's” puede repetirse salvo el solo de la guitarra, al igual que le ocurre a “Thumb Cinema” que no alcanza el gran nivel de las anteriores pese a contar con una buena letra.

El cierre lo dan la homónima al disco, la más melancólica de todo el trabajo, y “Heart Attack '64” con el clarinete y acordeón recordando, como no podía ser de otra forma a la hora de cerrar el trabajo conceptual, la muerte de Peter Lorre y su mensaje optimista.

Un trabajo que sorprende, con el que The World/Inferno Friendship Society mejoran su sonido firman un gran disco y se unen a la difícil tarea de crear un álbum conceptual sobre un personaje tan peculiar. Todo un acierto.

para AbsolutZine

World/Inferno at Spiegeltent - With a Good Criminal Heart

The Right Ons – Do Your Thing, Babe!

The Right Ons – Do Your Thing, Babe! – 2Fer Records – 2007

Ya pueden surgir varios estilos revisionando o planteando nuevas alternativas, que cuando un nuevo disco de funk bien hecho llega, no hay quien lo supere. Para los amantes a este sonido hay otro (gran) nombre que apuntar para seguir sus pasos, son The Right Ons, grupo madrileño, quienes presentan un single de adelanto a su primer álbum 80.81 (2007).

La calidad es muy notable, más si tenemos en cuenta la escasa presencia de grupos de este estilo por nuestra escena. Uniéndose al espacio ya abierto en los últimos años por Toxio Sex Destruction pero sin derivar tanto al rock como los admiradores de R. J. Sinclair. The Right Ons prefieren encontrar el ritmo fuerte del género rock en el soul imparable de Sly & The Family Stone o la locura de The Famous Flames y posteriormente de The J.B.'s. Actualmente la propuesta también podría relacionarse con el funk-rock de The Bellrays, grupo del que fueron teloneros habiendo transcurrido escasos meses desde su formación. Al igual que con Toxio Sex Destruction, les falta una carga más rockera y en este caso la gran voz femenina de Lisa Kekaula, para asemejarse a ellos. Pero es ahí donde radica la genialidad de estas canciones, que suenan a muchos y a la vez a ninguno en concreto. No cuentan con ningún saxo o trompeta que les defina de forma clara en el estilo, no hay grandes voces que asimilen el timbre negro, ni siquiera el bajo goza de instrumentales extensos en los que derivar a un ritmo imparable; pese a esto, casan todos los elementos para hacer de su sonido algo fuera de lo normal y con gran calidad.

Las voces de Ramiro Nieto y Álvaro Guzmán dan buen juego a los temas, aunque a veces se pide quizás unas variaciones mayores; estas son compensadas por Rafa Fernández y Juan Rodo, quienes también añaden su parte como backing vocals. El ritmo “Do Your Thing, Babe!!!” recae en el juego de las diferentes partes, desde el intercambio de voces agudas y graves, hasta los punteos de la guitarra, y la harmónica levemente distorsionada. Es en el tramo final donde el ritmo aumenta entre instrumentales y coros. La otra joya que podemos escuchar es “Shake, Shake, Shake”, canción inédita sin publicar en el álbum. En ella el bajo recupera un riff típico que hipnotiza desde el primer momento, dejando a las partes instrumentales todo la carga llevando el nombre del tema a la práctica.

Sólo dos canciones, pero qué dos canciones, una auténtica maravilla para disfrutar a la espera del álbum que ya está llegando, creciendo poco a poco con el boca a boca y los directos del grupo, como realmente un artista demuestra la calidad de su sonido. Ya lo decía James Brown: “Get Up!.”

Para AbsolutZine

Tarik y la Fábrica de Colores - Entrevista

El único criterio objetivo son las ventas

La época en que esperar un nuevo disco de Tarik con su Fábrica de Colores se hacía eterno, pasando siete años u ocho entre cada referencia nueva, ha pasado temporalmente. Ahora se presenta de forma estable al mercado con Mushroom Pillow como aliada para sus tres nuevas referencias. Sequentiale (2005) nos avisó de que no había dejado este mundillo, de que seguía componiendo a un gran nivel bebiendo de unas fuentes clásicas entre Ray Davies y Elvis Costello, y la siempre influencia del northern soul. Dos años después, El Hueso y la Carne, título que bien podría aparecer como uno más de Surfin’ Bichos o de Chucho, mira más allá del pop psicodélico de su antecesor. Ahora las guitarras tienen más protagonismo, y el español ha sustituido al inglés en todas las canciones del disco. Si quedaba alguna duda de cuál era el sitio de Tarik en esta escena, esta nueva entrega lo despeja, consolidando su situación con calidad y un buen sonido. Publicando uno de los mejores discos del año.

De sus cuatro discos hasta ahora, por una vez se cumple lo que en todos los procesos de promoción se oye o se lee, “este es mi mejor disco”. ¿Cree usted que es así?

Por supuesto.

¿Y qué hay detrás de “El hueso y la carne”?

Algunos verán vísceras. Otros, espíritu, alma, conciencia…

Cuando empecé a escuchar el tema “Subir Al Tren” y llegaba al estribillo, en vez de “subir al tren” entendía “suicídate”, claro, me extrañó, y ya en escuchas posteriores lo descifré. Me imagino que será una anécdota sin más, unas risas tontas y fuera, pero veía a bien comentarlo. Ya que estamos, ¿Subir a qué tren?

El suicidio sería más bien “Tirarse Al Tren”. Teniendo en cuenta que en el disco anterior, Sequentialee, había una canción que se llamaba “Velvet Suicide”, hubiera sido demasiado insistir en el tema. Nada de suicidios. Por eso y porque se dice de mí últimamente –por lo que he leído– que soy un tipo “psicológicamente inestable y caprichoso”. Quien esté libre de pecado, que tire la primera piedra. ¿El significado de Subir Al Tren? Tú mismo.

Cada canción tiene una carga muy importante en la letra, no son meros acompañamientos a una melodía más o menos efectista. ¿Qué mensaje guardan algunos de estos temas?

No me gusta explicar las letras de mis canciones porque no son artículos de divulgación científica ni nada objetivamente tangible. Tiene que haber un margen razonable de interpretación individual por el que cada persona tienda a adaptarlas a sus “necesidades” emocionales, singulares e intrasferibles. Así se pueden despertar las emociones, pero no explicando el mensaje fuera de su contexto. Cuando estudiaba Diseño Gráfico, teníamos un profesor que nos ponía diapositivas de sus pinturas surrealistas y se empeñaba en descifrarnos los mensajes subyacentes de cada uno de ellos. Me resultaba patético.

El disco fue grabado en el Estudio Antiaéreo, seguro que la experiencia fue magnífica. ¿Qué puede decir de ello?

Que es un estudio analógico estupendo (no menos cierto es que ha de estar siempre en manos de un técnico que lo entienda), que los dueños son amigos míos y que está junto a Sierra Nevada.

Cada vez es más cercano el sonido a grupos como Los Planetas, “Antes de la niebla” tiene unos arreglos que bien podría estar dentro de su repertorio, y en otras pasa lo mismo, ¿Hay intención de acercarse a este sonido?

Los Planetas y Tarik y la Fábrica de Colores bebemos de muchas fuentes comunes. Yo no voy a ocultar mi admiración por gran parte de su repertorio, así como por las letras de J, pero ellos tampoco han ocultado nunca la suya por nuestras canciones. Cuando volví de Londres y grabé “On The Radio”, fuimos a tocar a Granada y allí estuvieron Los Planetas, en nuestro concierto. Por entonces yo ni había oído hablar de ellos, pero, con toda la humildad del mundo, vinieron a saludarnos a los camerinos y ese fue el comienzo de una amistad que dura hasta la fecha. Siempre quisimos hacer cosas juntos y, de momento, Eric ha acabado tocando también conmigo. No puedo pedir más.

Pregunta casi obligada, pone en la nota de prensa que los motivos para sólo cantar en español no existen. Antes he considerado que su música si de algo no peca es de banal y sencilla, no creo que una decisión de este tipo se tome a la ligera cuando hace dos años decía en una entrevista que le resultaba más cómodo el inglés. ¿Ha cambiado algo para que sólo cante en español?

El inglés me sigue resultando más cómodo para cantar y, créame, no diría lo mismo si me dedicara al flamenco. Además, el hecho de ser bilingüe me permite dedicarme con el mismo entusiasmo a escribir letras en ese idioma. En mi opinión no es tan importante lo que digas, sino cómo lo digas, y eso requiere una concepción espiritual e intuitiva del lenguaje que no tendrías si ni lo dominaras. Por eso pienso que la poesía es la perfecta y excelsa sofisticación del lenguaje. Bueno, no es este mi caso, obviamente –entre otras cosas porque yo no escribo poesía, sino canciones pop–, pero para “tocar” el estado emocional del oyente de este país es necesario cantar en español. No hay vuelta de hoja.

Mezcla gran variedad de tempos en todo el disco, bien puede haber una canción como “Fontaine, Fontaine”, lenta, con una guitarra sólo, y en el otro extremo “La Ascension de Lupo”, por mencionar la que continua en el trabajo. ¿Esta gama de “colores” es buscada o es casual? Desde el punto de vista nuestro, el del oyente, resulta de agradecer.

Toda obra que dure más de quince minutos necesita de unos puntos de inflexión, cambios de dimensión, o como quiera llamarles, que descongestionen los oídos del oyente. Un disco monolíticamente homogéneo (perdón por la expresión) es, técnicamente, un aburrimiento.

En algunas canciones como “Agosto, por Ejemplo” o de Sequentialee me recuerda al sonido de Álex Diez y sus Cooper o a gente como Brighton 64 sin la presencia constante del garage. Un pop alegre que bebe tanto de los Small Faces como de Ray Davies. ¿Cómo lo ve usted? ¿Tiene algún vínculo con el movimiento mod en su sonido?

Comparto con los mods el gusto por el Northern Soul y ciertas bandas de los ‘60, la afición compulsiva a comprarme ropa y la irrenunciable voluntad de salir a la calle con cierta preocupación por la imagen que ofrezco.

Todas esas líneas que abarca la nota de prensa sobre su imagen en un tono diferente al que nos tiene acostumbrado tal formato, ¿a qué se debe? ¿Tan importante es la imagen?

Si dijera que soy de los que se tiran horas delante del espejo antes de salir a la calle, mentiría. Ni tengo tiempo para ello ni creo que sea necesario darle tantas vueltas. Pero ¿acaso no es importante la imagen en bandas como Ramones, Flaming Lips o White Stripes? Incluso los artistas aparentemente más despreocupados por la imagen están dando una imagen característica. La imagen puede ser sencilla y sobria, o puede ser epatante e incluso esperpéntica, como las túnicas de las bandas sinfónicas de los ’70, o el extra de maquillaje de los Nuevos Románticos. ¿Qué pasaría si no cuidáramos la imagen? Imagínese un cantante con una camiseta talla XL en la que se lea ”I Love Portugal”, unos vaqueros lavados a la piedra y unos mocasines con calcetines blancos. ¿Daría usted un duro por ellos? Personalmente, prefiero dar una imagen sobria, con la que yo me encuentro más a gusto, pero siempre apostaré por las buenas maneras en el vestir como mensaje de respeto al prójimo. Es como la higiene.

Habiendo sacado su segundo disco con Mushroom Pillow ya sólo queda uno según el contrato que firmó por tres discos. Sé que es lejana la fecha y que quizás la pregunta también. Pero el nivel que está manteniendo nos dará Tarik para rato sin tener que esperar tanto tiempo como pasó hasta su vuelta ¿no? ¿Algún plan de futuro que podamos saber?

Una vez le dije a Marcos Collantes, de Mushroom Pillow: “Marcos, me caes bien. Lástima que nunca podamos llegar a ser amigos”. Y es la verdad. Los artistas, en las compañías discográficas, somos números. Unos se llaman 8.000, otros, 1.500 y otros, 500. Los que se llaman 500 han de irse, se pongan como se pongan las 500 personas que se compraron su disco y esperan impacientemente el siguiente. Suena cruel, pero es la verdad. El único criterio objetivo que una compañía puede aplicar como garante de continuidad de un grupo en su catálogo son las cifras. La calidad es un valor privado para quien acoge la música en su corazón.

para Muzikalia


Tarik y la Fábrica de Colores - Entonces Por Qué

Guy Gerber – Saltamonte

Guy Gerber – Saltamonte – Supplement Facts– 2007

Declarada es su afición por no quedarse estancado en un género, el israelí Guy Gerber vuelve a escena rematando lo que podría ser su mejor año desde que en 2002 Alternative Route Recordings le diese la oportunidad de publicar Electric Mistress. Tras la salida de su gran debut en largo con su habitual label, Cocoon Recordings, y las consiguientes alabanzas que Late Bloomers (2007) trajo consigo, retoma la publicación de otra referencia para su propio sello, Supplement Facts. Anteriormente ya nos había deleitado con dos bombazos bajo este label, This is Balagan (2006), y MySpace (2007), con el tema homónimo levantando al más perezoso del asiento para bailar. Ahora, cumpliendo con sus intenciones, varía el rumbo de nuevo. Ya no hay la potencia del techno de su última referencia, sino que es el minimal house quien vuelve a contagiar todo su sonido. Y qué mejor compañero que Chaim, con quien trabajó en MySpace, para ayudarle en este 12”. Abriendo está “Saltamonte” en la que un dub muy marcado se hace dueño de la base consiguiendo entremezclar a la perfección ritmos más agudos por encima de él. El segundo tema es “Milkyway” un poco por debajo del anterior, donde es más relajado el sonido, y con Gregor Tresher o Carl Craig como referentes. Cerrando con buena nota el año, Guy Gerber recordará 2007 por el gran nivel que ha mantenido y por la constante actividad a la que se ha sometido.

para Cultura Nocturna


Guy Gerber - Live @ SAMC 2007 - Cocoon Tent

Stay - Entrevista

Revelación psicodélica

La revisión suele estar mal vista dependiendo en qué parámetros se desenvuelva. Es importante la campaña ejercida por parte de determinados sectores para hacer de este fenómeno algo digno de alabar y seguir. Stay es un grupo barcelonés que apuesta por anteponer sus canciones para justificar este revival, que al final consiste en una simple influencia de sus grupos favoritos como en otras bandas. La diferencia es que cuando hablamos de determinados géneros beber de estos significa estar dependiendo directamente de ellos, y no modernizándoles como se hace en otros estilos a través de los grupos punteros.

Iván López, bajo de la banda catalana, abre la nueva sección para Ciudad Bohemia, nueva sección que tratará de ir entrevistando a grupos españoles con la intención de apoyar en su difusión. Grupos que por motivos económicos, en su mayoría, carecen de una promoción necesaria, o incluso de una visión comercial por parte de las discográficas, adecuada a los tiempos que corren. La información de estos grupos es mínima cuando se busca por la red, lo que conlleva el desconocimiento de interesantes propuestas a un público más amplio, no por menor o mayor calidad, sino por facilidad a la hora de transmitir este trabajo. Para todos los grupos que pasen por esta sección habrá varias preguntas comunes con la intención de reflejar su visión y ver la diferencia entre los artistas, y luego preguntas específicas según corresponda a cada uno.

- ¿De dónde viene el nombre del grupo?

-Buscábamos un nombre corto y fácil de recordar...por aquella época eran habituales nombres como Blur, Suede, Coldplay, etc. Encontramos Stay, y nos gustó...el significado no tiene ningún sentido en especial, pero nos gusta decir que es por la canción de The Hollies.

- ¿Con qué miembros ha contado el grupo?

En la actualidad somos:

Jordi Bel, Iván López, Israel Palacio, y Enric Chalaux... Los primeros Stay fueron Yoel Lenti, Jordi Cruellas, Coke Serret, Xavier Cervera, y el fundador, Jordi Bel...

- Ciudad Natal: Barcelona

- Ciudad “habitual”: Barcelona

- ¿Cuándo empezó el grupo como tal?

En 1998. Como muchos otros grupos, Stay empezó haciendo versiones de los más grandes, hasta que en 2002, ya con unos cuantos conciertos y canciones propias decidimos dedicarnos en serio al grupo.

-¿Hay algún grupo relacionado con el vuestro?

Nunca hemos tenido proyectos paralelos que hayan trascendido más allá de juntarnos unos cuantos amigos y pasarnos la noche tocando...

-¿Cuáles son vuestras influencias?

Muchas y muy diversas... Desde los sesenta con George Harrison, Syd Barret, Brian Jones, Neil Young, The Who, The Pretty Things, The Byrds, Crosby Still Nash and Young, The Creation, The Action, Small Faces, Traffic, Humble Pie, la escena freak-beat, la mod, northern soul, el nuggets de San Francisco, etc. hasta la escena Madchester, los noventa y la actualidad con Happy Mondays, Inspiral Carpets, Stone Roses, The Verve, Brian Jonestown Massacre o Wilco entre muchos más...

- ¿Según está el panorama actual es posible dedicarse a la música en exclusiva?

En nuestro caso de momento no. No es una meta ahora mismo porque en gran parte no depende de nosotros. Hay muchos factores ajenos, que hacen que sea casi una utopía pensar en vivir de la música...nuestros objetivos son otros, pero claro está que si algún día llega la oportunidad no la dejaremos escapar por nada del mundo.

- ¿Cómo veis la escena española?

A nivel de grupos la veo muy bien. Ccreo que en los últimos años se está haciendo muy buena música en muchas partes del país. El problema es que no salen a la luz los que deberían salir, y sí los que están de moda y cuentan con una propuesta mucho más superficial, caduca y por supuesto "cool"...que parece ser junto con la actitud lo único que importa a la hora de valorar a un grupo desde algunos medios. Pero nosotros no nos fijamos en esas cosas, y disfrutamos mucho con montones de bandas nacionales que conocemos, ya sean de Barcelona o fuera. La nueva herramienta del myspace te permite descubrir esa clase de grupos que nos hacen ver que se puede vivir al margen de las modas pasajeras. Esto nos ayuda a reafirmar nuestra propuesta y creer más en nuestra música independientemente de cómo te valore la gente o determinados medios.

- ¿Existe un futuro?

Sí, siempre hay un futuro ¿no? Si va a ser mejor o peor, no lo sé...pero somos optimistas por naturaleza y preferimos pensar que trabajando duro y con mucha fe, tendremos nuestra recompensa...aunque realmente ya la tenemos, porque somos cuatro amigos haciendo lo que más nos gusta y transmitiendo nuestra pasión en mayor o menor medida a toda la gente que se acerca a vernos/escucharnos y hablarnos.

En el fondo todo se reduce a eso, pasarlo bien...a veces en el local de ensayo te puedes sentir totalmente realizado al pasar un buen rato tocando con tus amigos, y no piensas en nada más...

- Muchos grupos dicen que la única manera de impulsar su carrera es por los conciertos, en los que se consiguen mantener mejor que con los discos, ¿compartís esta opinión? Unido a esto, las infraestructuras con que se cuentan en España en relación a salas es mínima… ¿Así cómo podemos disfrutar de la música? El sonido es infame en muchas, el aforo…

No estamos del todo de acuerdo con eso...al principio pensábamos que sí, pero con el tiempo hemos visto que la clave, al menos en nosotros, está en sacar discos. Si los discos que sacas son buenos, estos te llevarán a hacer conciertos, a la radio, a la tele, etc. Si no son buenos se olvidarán de ti en un par de semanas. Nuestro objetivo ahora es grabar todos los temas que vayamos componiendo e ir editándolos en diferentes formatos.

Respecto a las condiciones de las salas, es verdad que muchas dejan bastante que desear, pero es más un problema administrativo que de las propias salas creo. Si los ayuntamientos creyeran un poco más en la música en directo, tendríamos más y mejores salas de diferentes aforos bien acondicionadas. Pero todos sabemos que cada día hay más obstáculos para disfrutar de una amplia propuesta de música en directo en las ciudades, así que no encuentro una solución clara a este asunto.

- Psicodelia, freak beat, recuerdos del los sesenta ¿a qué se debe este exquisito gusto por sonidos tan lejanos en apariencia?

Llevamos escuchando música desde que teníamos 13 ó 14 años, y después de revisar todas las décadas, la que más nos ha llegado ha sido la de los sesenta. Para nosotros es la década más prolífica y genial de la historia de la música. Aquellos años marcaron un antes y un después en lo que ahora conocemos como música pop, y difícilmente pasará otra vez. Debió ser una confabulación de los dioses, para que en un corto espacio de tiempo se juntaran tantos genios creando canciones con una inspiración envidiable.

-¿Tenéis alguna vinculación con el movimiento mod? Ya sea musical, social, o por otras razones.

Bueno, nos marcó mucho en un determinado momento la escena mod, no solo musical sino también social como bien dices. Durante un tiempo fuimos descubriendo grupos de la escena, películas, las fiestas y las ropas que se llevaban por aquel entonces y estábamos fascinados, aún nos sigue gustando mucho, pero no quisimos cerrarnos, por miedo a no evolucionar. La escena mod forma parte de nuestras influencias, pero ni es la única ni la más importante...

- ¿Cuáles son las cosas que tú no puedes ver?

Hay muchas interpretaciones del significado del título, y esa es una de las cosas que más me gustó al elegirlo. Para nosotros las cosas que no puedes ver pueden ser la manipulación a la que estamos sometidos desde los medios partidistas principalmente, las cosas que ocurren sin que te des cuenta y que al cabo de un tiempo te van a afectar directamente o las líneas que te marca el destino y que algunos llaman sucesión de casualidades, etc. También son cosas intangibles, las canciones... Tengo que decir también que el título del disco lo encontré en una canción de uno de mis grupos favoritos de los sesenta, The Action, llamada claro está "Things You Cannot See".

- Small Faces, The Who, The Beatles… si no me dijesen que sois un grupo actual bien podría sonar dentro de esa época. Suena tan bien que no se aprecia la diferencia ¿Es muy fuerte la influencia de vuestros referentes? ¿Una especie de homenaje?

Es un halago que incluyas nuestro nombre entre esos gigantes. Sí que es muy fuerte la influencia, y en algunos casos puede parecer un homenaje o un revival, pero no es más que eso, una influencia; nosotros creamos nuestras propias melodías y hacemos la producción nosotros mismos. Quizá nos gusta reivindicar esas influencias como en “We need Neil Youngs”, porque hoy en día se acostumbra a escuchar otro tipo de música, y los clásicos siempre estarán ahí para nosotros, son más fuertes que todas las new waves de la new wave que nos han enviado estos años...

- Dais mucha importancia en algunos temas, por ejemplo los punteos geniales de “We Need Neil Young”, a la parte instrumental ¿es así?

Sí, nos encantan los pasajes instrumentales y les damos mucha importancia en nuestra música. Esos cortes dicen muchas cosas también y no es necesario llenarlo todo con voz. Es un recurso que utilizamos mucho porque nos hace sentir libres para desarrollar con el instrumento, y cuando hay química entre ellos se nota. Tenemos hasta tres temas instrumentales y son casi los que más nos gustan.

- Dos discos con Wild Things, ¿qué nos espera en breve para los seguidores del grupo?

Ahora mismo estamos trabajando de lleno en la grabación de dos temas inéditos y una versión de “Strawberry Alarm Clock” para incluirlo en un EP que tiene previsto publicarse en marzo-abril 08. También incluirá una remezcla de “Super Heavy Soul Mamooth Explosion” y el video-clip de “Waiting for my girl”.

- El tercer largo no será con vuestra discográfica habitual, ¿A qué se debe?

Llevamos tres años con Wild Thing Records y creemos que se está acabando un ciclo. Lógicamente hay un desgaste y un desencanto quizás en el tratamiento que se ha dado a Things You Cannot See (2007). Hay cosas que todavía no entendemos y creemos que de hacer una apuesta real y fuerte por este disco las cosas hubieran sido diferentes. Nuestra relación ha sido muy buena estos años y ambas partes hemos sacado provecho del trabajo realizado conjuntamente. Después de dos discos y tres singles con ellos, es posible que sea el momento de hacer un cambio. No es algo que hayamos hablado todavía, y realmente estamos abiertos a la posibilidad de editar el tercer disco con ellos, pero las condiciones tendrían que ser bien distintas a las que teníamos anteriormente. Habrá que esperar acontecimientos para saber con quién trabajaremos en este tercer disco.

- ¿Y a qué sonará? ¿Seguirá la estela iniciada hasta ahora?

Será diferente; no nos gusta repetirnos, ya en Things You Cannot See se aprecia un cambio sustancial respecto al primer disco, y en este tercero mantendremos el toque sixties en la mayoría de canciones pero será menos evidente. Habrá un mayor desarrollo de los pasajes instrumentales que antes hablamos, se notará mucho la música que estamos escuchando ahora mismo, sobre todo la influencia de Wilco va a estar muy presente. La psicodelia estará ahí con el sitar, el farfisa, y nuevos instrumentos con los que estamos experimentando como la flauta travesera o la mandolina, y en la grabación contaremos con alguna sorpresa como una sección de vientos y más cosas que aún no podemos desvelar como algunas colaboraciones sonadas.

- Habéis contado con varios amigos vuestros para la grabación de las canciones, ¿es muy importante este apoyo entre los grupos?

Para nosotros fue vital. Después de que nuestro guitarrista y segundo compositor dejara el grupo junto con el batería, tuvimos que tirar de amigos para sacar el disco adelante. Encontramos a Enrique, que al día siguiente ya se comprometió con nosotros y se convirtió en miembro oficial del grupo a la guitarra, al sitar y al theremin. Con el batería tuvimos más problemas que todavía hoy persisten, ya que de momento no tenemos batería fijo. Por aquel entonces Andreu y Gabi nos ayudaron a grabar seis temas, y Perico de The Queen Machine y Nacho de April Fool´s Day grabaron dos temas cada uno. Este último además nos ha ayudado en esta parte final de la gira realizando los conciertos que teníamos pendiente, y también será el encargado de grabar los temas que irán en el nuevo EP.

- Dentro del último disco hay varios temas que destacan por encima de los demás, yo me quedo con “Revelation of Soul” (temazo!) y “We Need Neil Youngs” ¿Cuáles son vuestros favoritos?

Pues va por momentos. Quizás la más llamativa sea “Super Heavy Soul Mamooth Explosion” por aquello de ser un tema con el sitar como instrumento predominante, y seguramente porque era algo totalmente distinto a lo que habíamos hecho hasta entonces sea mi tema favorito. Hay un antes y un después de esa canción en Stay. Pero ahora escucho “We Need Neil Youngs” y me parece nuestro tema más completo. Creo que Jordi diría “I Feel You Around”, Enrique “Sweat Leader” y por último Irra diría “Modern Ropes”.

- Para mí el mejor tema de vuestro último disco es “Revelation of Soul”, ¿qué opináis vosotros?.

“Revelation Of Soul” es sin duda nuestro tema más ambicioso. Desde el momento en que Jordi lo compuso y me lo enseñó, teníamos claro como debía ser. Quisimos darle un tratamiento muy negro al ritmo y enseguida vimos lo que había que hacer en la parte final. El coro Gospel le dio una aire de gran magnitud con las excelentes voces de las chicas, y reportó un gran añadido a la canción. La producción fue muy compleja y buscamos el efecto soul para darle más fuerza aún. Fue impactante para nosotros escuchar el tema finalizado. No podíamos creer que eso que sonaba éramos nosotros, fue una sensación única; todavía recuerdo los pelos de punta...

Stay - Super Heavy Soul Mamooth Explosion

Quique González - Entrevista

Quique González vuelve con su séptimo disco Avería y Redención

Calidad ante todo

Pocos artistas pueden mirar atrás ahora mismo y contemplar con orgullo siete discos publicados. Desde Personal (1998) el madrileño ha ido creciendo firmando grandes discos y creando un sonido propio.

“Nunca he tenido un público masivo pero sí muy selectivo y especial” comenta Quique González; bien podría ser este el resumen de su carrera, una carrera de fondo que le ha llevado poco a poco a confirmarse como uno de los mejores cantautores rock que hay en este país. Rechazando el éxito, pese a iniciarse con él tras presentar algún hit a las radiofórmulas, González ha sabido cuándo decir basta e irse por su cuenta para publicar grandes discos como Kamikazes Enamorados (2003). Ahora volvemos a tener la oportunidad de escucharle en directo este sábado en la sala Cabaret gracias a las Jornadas Musicales. Antes respondió a algunas preguntas con motivo de la publicación de su último álbum Avería y Redención.

Son siete discos y al pie del cañón, pocos pueden decir eso ahora mismo. ¿Cómo ves tu carrera?

Uno no es muy consciente de su propia evolución porque tampoco tiene perspectiva, lo está viviendo uno mismo. Para mí es un orgullo haber ido poco a poco creciendo disco a disco, con un nivel de producción casi a uno por año, algo que ahora no es muy habitual, lo cual no significa que sea siempre así. Durante este período he tenido las canciones y lo he aprovechado, ellas me han ayudado a seguir creciendo. Estoy orgulloso, pero es mi trabajo, es lo que me gusta.

Avería y Redención plantea un cambio y a la vez una continuación en algunas canciones con el sonido de La Noche Americana. Un buen rock alegre pero también la parte lenta más sentimental. ¿En la mezcla está la calidad? ¿En qué vía te sientes más ágil?

Siempre he hecho canciones más explícitas, quizás autobiográficas, y otras más narrativas, que contaban otras historias. Tampoco estoy seguro de que siga un estilo continuista de La Noche Americana, precisamente hemos intentado cambiar un poco el registro y la instrumentación para que sonara un poquito distinto. Creo que lo hemos conseguido. Pese a ello algunas canciones pueden estar más cerca ya que tienen dos años, fueron compuestas en el periodo del anterior disco, tanto musical como narrativamente.

Leyva, de Pereza, colabora en la canción “Avería y redención” ¿Cómo salió esta colaboración?

Es mi mejor amigo en esto, le admiro mucho como persona, como músico es un fuera de serie. Llega un nivel de amistad entre las dos bandas que ya no es una mera colaboración sino que es algo más casual. Nos vemos por el estudio, somos amigos y nos gusta lo que hacemos. No es de cara a la galería, es casi muchas veces por una cosa nuestra.

El nuevo disco lo forman diecisiete canciones, son muchas para un disco actualmente, ¿a qué se debe la selección de tantos temas?

En principio quería hacer un disco doble. Que el primer volumen fuese Avería y el segundo Redención. Grabamos un montón de temas, y al final creí que estaba bien dejarlo en diecisiete, todo guardaba un concepto común. En todos ellos había un sonido, un estilo de la banda y dejé los otros tres temas fuera. También me gusta ser generoso con mi público, nunca he tenido un público masivo pero sí muy selectivo y especial. Considero que cuanto más generoso sea más cerca van a estar de mí y más lo disfrutarán.

A Segovia has venido varias veces a actuar, ¿Cómo te ha acogido el público de esta ciudad? ¿Te gusta?

He ido bastantes veces; incluso mi pareja anterior vivía allí, conozco a su familia. La ciudad me gusta mucho, no sólo por la cercanía que tiene por Madrid, donde nací, sino por la gente que he conocido por allí. Tengo una conexión, en este sentido, segoviana. Siempre que he venido el público me ha acogido muy bien, han sido conciertos muy especiales.

para El Adelantado de Segovia

Quique González & Enrique Urquijo - Aunque tú no lo sepas (live)

Turistas Espaciales – Telepatia Astral Para Gente Normal

Turistas Espaciales – Telepatia Astral Para Gente Normal – Closer Records – 2007

Entre la duda y la confirmación, intento ver algún detalle que antes no he apreciado, que he dejado de lado y que en posteriores escuchas podré contemplar, pero por más que lo intento no hallo ese detalle, nada que me haga entender este disco. No, no se puede mentir, aquí no hay otra cosa que más de lo mismo. ¿El sonido? Anodino.

Aparentemente lo que nos íbamos a encontrar según los grandes textos que las discográficas suministran como cortinas de humo camufladas, era un sonido entre Radio Futura, Stone Roses y nada menos que David Bowie. La cosa pintaba bien, parecía un disco pretencioso, si tenía sólo un ápice del talento de los Auserón, la potencia de los británicos y la clase de Bowie, como mínimo sería disco del año, pero es que las cosas no son tan fáciles como simples referencias en un papel. Aquí los nombres más semejantes son Pereza, Pignoise, o cualquier grupo que tire de lo estereotipado mil veces sin aportar ni un solo ápice. Las melodías son todas iguales, con guitarras distorsionadas que no varían en absoluto de una canción a otra, la batería dando la lata y la voz de Diego Lunático poniendo la guinda al agrio pastel. Lunático es el líder del proyecto, anteriormente en solitario como Diego Rivera, quien se pone el traje de gala igual que si se pusiera un uniforme, la nueva formación sustituye al grupo Maya quienes ya le habían acompañado cuando giró bajo el pseudónimo de Lunático.

Las diez canciones cogen el rock y se tiran a la piscina. Abusando de estribillo en todas ellas, la repetición de escuchas puede convertirse en algo soporífero. Aunque lo mejor está por llegar cuando Lunático demuestra su gran voz en unos agudos mantenidos en “Mi meteorito favorito” y en “Mi mente no soporta mis pasiones”. ¿Algo que rescatar? Pues no, si bien algún comienzo que se tiende a pensar que no caerá en un simplón estribillo, pero es en vano porque dicho y hecho, cae. Así “La serpiente de mi boca” por lo menos tiene algún amago de chulería, “Demasiado cerca no interesas” en la estrofa promete más de lo que finalmente es, y “Fin de la transmisión” es el punto álgido, cuando suena “hemos llegado al final de la transmisión” las ganas de vivir retoman en el oyente, y corre a la estantería para ver si Bowie se ha cambiado de chaqueta, por si Stone Roses no son esos melenudos que tanto admiraba y La ley del desierto, la ley del mar (1984) es aun hoy mejor de lo que intentan vender algunos grupos españoles.

para Muzikalia

Turistas Espaciales - Lunático

Los Planetas - Revisión

Caminando por colinas de cebollas y metal…

1990, comienzo de una década más para el pop en general, comienzo de una década revolucionaria para el pop en español. En este año surgen los granadinos Los Subterráneos, por motivos legales Christina Rosenvinge se queda con la denominación y el grupo que empezaba a dar tumbos, formado por Juan Rodríguez (J) y Florent Muñoz, tenía que llamarse de otra manera. Qué mejor que Los Planetas. La justificación de éste nombre podríamos verla en el 2003, cuando el dúo formado por Irantzu Valencia (La Buena Vida) y J cantaban: “Los Planetas son la única preocupación/que gira alrededor/de más de investigador.” No les faltaba razón en ninguno de los versos, pocos grupos españoles han conseguido la supremacía de Los Planetas, la aceptación como grandes estrellas tanto de crítica, desde la más snob hasta la más sencilla, como de público. Sólo podrían unirse a la lista de grandes grupos del indie español nombres como Surfin’ Bichos, El Niño Gusano o La Buena Vida, por su influencia dejada tras la separación o por su carrera de fondo respectivamente. Además Los Planetas podría verse como un “súper grupo” debido a que la mayoría de los componentes aportan su grano de arena y no les basta con este proyecto para desarrollarse musicalmente hablando. J es el más inquieto de los cinco, colaboraciones varias, desde la ya mencionada con el grupo donostiarra, hasta con Nacho Vegas, y cuenta con su grupo paralelo, la Cultural SolyNieve, con el que experimenta en un sonido más andaluz y libre; Florent también se deja ver mucho a través de colaboraciones con Los Enemigos, también con Nacho Vegas o Clovis, al igual que Banin y Miguel; por último, la colaboración de Eric Jiménez con Lagartija Nick.

Los ingredientes que han aportado en sus diecisiete años de existencia, ¡se dice pronto!, han bebido de fuentes muy variadas, lo que les ha permitido una riqueza musical que tanto escaseaba por estos lares. El rock psicodélico o rock ácido de la Florida de los sesenta, con grupos como Jefferson Airplane, Grateful Dead o Group 1850, la revisión del rock andaluz de la mano de Triana, el rock progresivo español de Máquina o Pau Riba, la parte electrónica de Radiohead, las guitarras de Pixies y ciertos avisos de post-rock; todo esto podría verse como coctel explosivo para dar con el sonido ya característico de Los Planetas. Un sonido donde hay distorsión, donde la voz de J tras largos años de escucha el oído se acostumbra a entender (o no), un resultado final que apuesta por la experimentación. Si con Super 8 (1994) podrían haber ido derivando al pop más accesible, Una Semana En El Motor De Un Autobús (1998) suponía la vuelta de tuerca a su sonido, y especialmente a la escena española, elaborando su mejor trabajo, su tótem que tantos intentan conseguir. No conformes con esto, juegan con la instrumentación, con largos solos en Unidad de Desplazamiento (2000), en Encuentros Con Entidades (2002) donde se veía en ciertos temas lo que podía estar por venir. Esto lo plasmaron en Contra la Ley de la Gravedad (2004), temas que les podía hacer más comprensibles a un nuevo público que antes no era de su agrado pero que sólo eran espejismos que tres años más tarde despejaban con su último disco hasta la fecha: La Leyenda del Espacio (2007). Aquí Los Planetas no revisionaban a Camarón, al flamenco, ni a nada, aquí Los Planetas demostraban una vez más que su sonido no tenía barreras. Daban el do de pecho para seguir creyendo que les queda mucho que ofrecer en un futuro cercano.

Puede que peque de prepotente, sentenciador, de ignorante o de iluso, pero Los Planetas son, y serán si el panorama no progresa en calidad, el mejor grupo español de la historia. Gracias por existir.

para Azul Eléctrico

Referencia en El Adelantado de Segovia

Hoy Ciudad Bohemia sale en el diario El Adelantado de Segovia. Pese a que hay algún error en el artículo a la hora de citar nombres de medios, el resto es correcto. Se sigue aumentando la relevancia del sitio con nuevos visitantes. Gracias a todos los que seguís día a día las actualizaciones. Y a los nuevos, sed bien recibidos al blog.

A Whisper in the Noise – Dry Land

A Whisper in the Noise – Dry Land – Exile On Mainstream – 2007

Calma, una predisposición notable y un ambiente adecuado en el que escuchar con atención, es lo requerido para acercarse a este disco. No es un disco fast-food de los que priman estribillos pegadizos, riff bailables y voces adulteradas, de los que te alegran el día sólo escuchando un primer compás. Aquí vemos una variedad de matices reformulando un sonido que les lleva a estar en tierra de nadie. Ellos dicen hacer “orchestral garage rock”, aunque parte de razón llevan, el término es más bien un conglomerado para intentar definir un sonido que intenta separarse de lo cotidiano. Tomando como punto de partida el post-rock deciden introducir un elemento para mejorar lo hecho hasta ahora: la orquestación de su sonido.

Algo que gente como Sigur Rós o Radiohead llevan hacia campos de desvaríos electrónicos, consiguiendo una música tranquila, y a su vez repleta de magia. En el caso de A Whisper in the Noise la cercanía a la banda de Thom Yorke con canciones como “A New Dawn” puede verse de forma notable, sólo que los de Minnesota prefieren evadirse en arreglos de cuerda y el uso de backing vocals antes que en samplers electrónicos. Predomina el concepto de construir la melodía a partir de lo simple en apariencia, así el piano de West Thordson, alma del proyecto, está omnipotente en casi todas las canciones del disco sustituyendo a las guitarras que suelen tener la hegemonía en este tipo de género.

La frontera hacia un sitio concreto se rompe en casi todos los lados, “In Will” es el ejemplo de ello cuando los arreglos de cuerda y la voz de Thorsdon, rememoran la música tradicional árabe entre la neblina oscura del tema. A los hilos de la producción tenía que haber un genio para conseguir este sonido, Steve Albini es quien vuelve a ayudarles tras su primer LP Through the Ides of March (2003), para el cual sólo necesitó dos días en el estudio. El sonido ha sido muy pulido en comparación con sus anteriores referencias, veíamos más experimentación en su carta de presentación, derivando aun sonido más claro en As The Bluebird Sings (2006) y con Dry Land se ha conseguido mezclar todo lo recorrido hasta el momento.

Nos encontramos con un inicio muy bueno, donde están las mejores canciones del disco. Cuando llega a “Armament” el resultado baja un poco, quizás por la escucha de lo anterior, o porque es un disco para escuchar en pequeñas dosis y no una tarde entera. Pero lo cierto es que la melodía de la mencionada parece escuchada con sus predecesoras, “Beauty's Grace” intenta tirar demasiado de un mínimo piano sin éxito y “True Love Will Find You in the End” parece más bien una prueba que una canción al nivel de “As We Were” o “Awaken to Winter”.

Un trabajo para escuchar cuando, cansados por la repetición de determinados sonidos en el mercado, buscamos algo fresco. Despacio y tranquilo, quizás con el tiempo la calidad que lleva cada canción mejore su apreciación, mientras por ahora, mejor en pequeñas dosis.

para AbsolutZine

A Whisper in the Noise - Tale of 2 Doves

iLiKETRAiNS – Elegies to Lessons Learnt

iLiKETRAiNS – Elegies to Lessons Learnt – Beggars Banquet – 2007

Oscuridad es el adjetivo que mejor resume el trabajo de iLiKETRAiNS. Para su puesta en largo han decidido seguir con este calificativo adquirido anteriormente con sus singles y su primer EP. La diferencia ahora radica en la calidad, si antes sonaban dentro del molde clásico del post-rock oscuro e intimista, ahora la gama de matices varía más, aunque sin llegar a separarse del género.

Progress – Reform (2006) supuso para los amantes de este sonido un descubrimiento al que añadir en su discoteca particular. La cercanía a Godspeed You! Black Emperor era palpable y muy agradecida, grandes solos instrumentales que llegaban al punto álgido del tema y rompían sin dilación. Ahora los de Leeds han fichado para el label inglés Beggars Banquet tras pasar por Fierce Panda Records. El fichaje demuestra la calidad del proyecto ya que el catálogo de Beggars no es precisamente de bajo nivel, a lo que va unido la relevancia que han llegado a conseguir iLiKETRAiNS siendo portadas de publicaciones tan dispares como NME o Financial Times. Por los pasos dados hasta ahora la publicación en largo sólo podría traer buenas noticias si continuaban con lo hecho.

El resultado es soberbio, ya no sólo desde el punto de vista del género, sino como obra artística. Goza de todos los componentes necesarios para ser disfrutada sin cansarse de ella. Desde el diseño del trabajo, donde se apuesta por la unión entre dibujo y cartón para proteger al disco, hasta la carga histórica de las letras. Estas últimas conjugan un álbum conceptual formando un manual con el que intentar ayudar al ser humano a que no caiga en los mismos errores históricos que hasta ahora ha ido repitiendo cíclicamente.

Así nos encontramos con grandes acontecimientos pasados, desde los juicios de las brujas de Salem (“We Go Hunting”) hasta la huida de la primera persona de la República Democrática Alemana (“Come Over”), pasando por la plaga bubónica que llegó a Eyam tras extenderse por Londres en 1965 (“We All Fall Down”). La intención por parte de los de Leeds de conseguir transmitir una enseñanza con estos temas, carga de valor añadido a cada canción por encima de letras banales en las que el valor es mínimo frente a la melodía. La única pega con la que podemos topar es la constancia en la voz de David Martin, es casi nula la variación de su tono durante todo el disco. Mantiene el fraseo en todas las partes igual, no hay ningún verso, por mucha carga dramática que lleve, que sea entonado diferente. Resultado que no empaña el conjunto, pero si hubiese sido diferente quizás estaríamos ante una obra de mayor calidad.

El punto álgido es conseguido al final, con el recuerdo al único primer ministro británico asesinado, “Spencer Perceval”. Son nueve minutos donde se crea una atmósfera en la que diferentes ritmos van entrando y variando el sonido, solemne tras un inicio apagado y una mitad en la que la mecha explota como anticipo del final instrumental en el que la batería y las guitarras tienen el dominio.

El resto de las canciones varían entre tempos más movidos y otros calmados, teniendo casi todas un final potente con el que rematar sea cual sea la melodía previa a ello. “We All Fall Down” consigue un inicio increíble, el cual “The Deception” mantiene dando una visión pesimista del mundo acrecentada por “Death of an Idealist”, dejando la temática para que “Death Is the End” ponga el remache final para cerrar el conjunto. Un conjunto que bien recuerda a The Black Heart Procession o a Sigur Rós, con el que la presentación de iLiKETRAiNS no sólo mantiene la calidad demostrada hasta ahora, sino que se convierte en otro grupo a seguir dentro del género.

para AbsolutZine

Land of Talk - Applause Cheer Boo Hiss

Land of Talk - Applause Cheer Boo Hiss - One Little Indian - 2007

Nueva referencia, y va otra más, proveniente de la tierra de la hoja roja que es cogida por una discográfica inglesa para ser lanzada al mercado europeo. One Little Indian se adelanta y se hace con Land of Talk reeditando su EP de debut añadiendo tres canciones extra.

El trío liderado por Elizabeth Powell, una conocida songwriter de Ontario, quien consigue desarrollar su talento, tras varios intentos fallidos en solitario, poniendo voz a un grupo donde las guitarras gozan de libertad total. Junto a Chris McCarron al bajo, y Bucky Wheaton, tras sustituir a Eric Thibodeau, a la batería, logran firmar un debut interesante en una línea bastante manida en los últimos años.

Se pueden ver los mismos referentes de siempre. Unos riffs y melodías cercanas a Sonic Youth y Dinosaur Jr. pero por suerte hay distinciones respecto a cualquier grupo británico o estadounidense que tanto reformulan lo existente. Land of Talk al contar con la voz de Powell deja ver algún indicio que les acerca a grandes solitas femeninas como los inicios de Cat Power o la parte más accesible de PJ Harvey.

Y a lo que no estamos tan acostumbrados por estos terrenos, la similitud en el timbre de la líder con Nina Persson (The Cardigans) es a veces sorprendente, sobre todo en las que baja el tempo y derivan al pop.
Subiendo la media se sitúan el trío formado por “Sea Foam”, “All My Friends” y “Street Wheels”, las tres con aíres de hit en cuanto se presentan los primeros compases.

Buenos cambios en el tempo guiados con unas guitarras y una voz que se amolda en los agudos sin fallos. El resto mantiene el tipo bajando un poco con “Summer Special”, donde no cuaja del todo la fórmula pop entre su sonido, y en “Magnetic Hill” con demasiado estribillo sin atractivo.

En conjunto, un disco que añadir al género y con el que disfrutar sin llegar a obsesionarse con él. Un buen trabajo más importado de Canadá.

para AbsolutZine

Caribou – Andorra

Caribou – Andorra – City Slang / Sinnamon Records– 2007

Cuarto largo para Caribou, aunque oficialmente, y más en el terreno de la electrónica donde el alias es el sonido, es su segundo LP tras haberse cambiado el nombre de Manitoba por causas legales. El canadiense Daniel Snaith vuelve a retorcer lo hecho hasta ahora, vuelve a reformularse evitando repetir un sonido en cualquiera de sus canciones. Si en unos comienzos con Start Breaking My Heart (2001) Manitoba veía la frontera del ambient y el downtempo próxima a su música, cada referencia nueva ha ido eliminando esos campos. En el caso del downtempo se mantuvo más la estela, pero con Andorra ha habido el stop definitivo; desprenderse del calificativo de lento para pasar a un dinamismo puro, alegría, y gozo en cada tema.

En apariencia es lo que transmite Snaith con su nuevo trabajo, evitar caer en melodías reiteradas en unas bases suaves siendo sustituidas por un conglomerado de instrumentos que él mismo toca. No hay que olvidar su formación matemática, su padre es una eminente figura dentro de este campo, y su hermana va camino de ello, casualmente Snaith se licenció hace unos años de la misma rama, siendo la música un fiel reflejo de este campo. Inicialmente las cifras que la discográfica suministra son de 670 canciones compuestas para Andorra, de las cuales sólo nueve han pasado a formar parte del disco, verdad o mentira (¿es acaso relevante?) la elección del esqueleto del trabajo es perfecta. Bien podríamos hablar desde el inicio hasta el final, nada hace que caiga la escucha en un comienzo soberbio para aburrirse con un final de relleno como en muchos casos pasa. Aquí vemos la mezcla entre grandes temas y otros más simples y anodinos, dejando el último puesto, la nota final, a la mejor canción del largo. Con “Niobe” Caribou puede optar sin duda a una de las mejores canciones de electrónica del año, sus casi nueve minutos son la ensoñación llevada a la canción, entre un tímido inicio y una voz, deja paso a un juego de subidas y bajadas que vuelven loco a cualquiera. Pero antes de quitarse el sombrero ante él “After Hours” se ha quedado por el camino, alegre como ninguna sabiendo conservar un halo oscuro a su vez; “She's The One” bebe del pop californiano electrificándolo, labor para la que se ayuda de Jeremy Greenspan (Junior Boys); las restantes mantienen el nivel, con un inicio del trabajo pegadizo (“Melody Day” adrenalina pura) y en la recta final más lento con “Sundialing” la cual atrapa y no deja libre.

Un gran trabajo, ya que el pabellón estaba muy arriba tras The Milk of human kindness (2005) pero Andorra ha sabido mantenerse firme, sin necesidad de superarlo al ser sonidos diferentes. 28 años cuenta Snaith, dos grandes obras a sus espaldas ya, y lo que le queda…

para Muzikalia

Pinback - Autumn of the Seraphs

Pinback - Autumn of the Seraphs - Touch and Go Records - 2007

La madurez por estos terrenos supone encontrar la unión sólida entre buenas letras y melodía. Una vez hecho esto el juicio personal de cada persona puede entender si está o no conseguida esa supuesta madurez. Tras haberlo pensando podría llegarse a la conclusión de que es absurdo valorar un trabajo por si es más maduro que lo anteriormente hecho, lo único que tiene que haber en el disco es un buen sonido; maduro o inmaduro, eso ya es indiferente. Las letras pueden hablar de amores, de una visión del mundo filosófica o de temas existenciales propios de una clase media acomodada, pero si la música es monótona bien pueden quedarse con su madurez que otros preferimos el conjunto imperfecto.

La empresa discográfica estadounidense ha encontrado un target sobre el que incidir y al que vender el producto de otra manera. Bajo términos como “adult alternative” engloba un sonido que bien podría colarse en series como Anatomía de Grey como pasar a ser grupo de culto. Pinback refleja otro ejemplo más de esta oferta, tras dos discos bajo Ace Fu Records (la misma discográfica que dio la oportunidad a Kaiser Chiefs, The Dears o Ted Leo) sin nada que ofrecer respecto a otros grupos, Touch and Go Records les ficha y se nota el cambio para "Summer In Abaddon" (2004).

Ahora, tres años después dicen haber sacado su obra más madura, donde el sonido está más pulido, retocado. En conclusión, una producción casera en el estudio del multiinstrumentista Zach Smith (también conocido con el humilde nombre de Armistead Burwell Smith IV) que poco tiene de ello. El resultado es un sonido monótono, sin fallos eso sí, donde las guitarras y los bajos casan a la perfección con la batería y los teclados, pero sin dar un paso más que les haga atractivos. Se espera en algunas canciones el momento en el que rompe la melodía y es en vano, porque ya sea derivando a registros suaves o en una línea más aguda, no hay nada que trastoque el conjunto. Los artífices del proyecto, Rob Crow y Zach Smith, son los que intercambian las voces para conseguir ese sonido tranquilo que se desprende de las doce canciones.

Un resultado formal para un disco que bien puede sonar de fondo y dejar indiferente a cualquiera, melodías cuidadas, y un sonido templado. Con una frontera mínima entre el pop y el rock, con canciones brillantes como “Bouquet”, “Walters” o “Barnes”, y con una percepción final de haber escuchado otro disco recto en sus formas, pero frío a la hora de transmitir algo. Si quieren englobarse con grupos como Death Cab For Cutie o Yo La Tengo, la distancia sigue siendo enorme, casi inalcanzable. Mientras la imperfección e inmadurez de otros grupos sigue atrayendo más que éste manierismo alternativo.

para Popchild

Audience – Trying Wings on Roots

Audience – Trying Wings on Roots – Noizpop – 2007

Esto es lo que le falta a la música de por aquí, nuevos sonidos, propuestas que se salgan del indie nacional estereotipado por antonomasia. Levantarse un día y encontrar un grupo que coja la estela del blues, un blues que supuso el origen de la música y por tanto con una influencia absoluta sobre cualquier género musical existente. En el 2007 aún hoy se sigue reformulando uno de los estilos más antiguos; Audience, grupo bizkaino, son los protagonistas en este caso del experimento.

El quinteto formado por Hannot Mintegia (voz, guitarra, trompeta), Gaizka Insunza (voces, guitarra, piano), Ager Insunza (voces, violín, lap steel, guitarra, piano), Andoni Lauzirika (bajo), y Mikel Sagarna (batería), decide aclarar su sonido y desnudar más sus orígenes que en sus anteriores trabajos. Llevaban cuatro años de parón discográfico lo cual no significa un parón en los escenarios de los que eran habituales, y en los que se ha gestado la mejora de su trayectoria.

Una trayectoria que bien bebe del blues de Clarence ‘Gatemouth’ Brown, que de riffs tranquilos y vacilantes al estilo de Muddy Waters, como de la reformulación de este género por artistas de la talla de Eric Clapton o Led Zeppelin. Son pequeños temas de corta duración, en los que la melodía predomina en la mayoría de los casos por encima de la voz, el único punto que no está del todo pulido. Debido a esto la calidad de las instrumentales, o en las que la parte vocal es mínima incorporándose como un instrumento más, es mayor, creando un juego entre riffs y tempos muy de agradecer.

En gran parte de las canciones recuerdan a los estadounidenses Calexico, experimentando con el resultado y variando lo invariable sobre el hilo musical. No existe un punto fijo en el que terminar, los vaciles que construyen los temas bien pueden derivar a un lado o a otro; es ahí donde radica la genialidad del ejercicio, en experimentar y conseguir un buen resultado final.

Además del blues mezclado con el rock también hay una influencia del country-rock que por finales de los 60 comenzó a ponerse de moda. En baladas como “Complaint” o “Farmer”, y más acelerado en “Well Done” y en “In a Small Town”, posiblemente la más clásica de todas.
Un gran trabajo de un grupo que anteriormente ya había demostrado de sobra la calidad de su repertorio con sus dos primeros discos y que ahora vuelve a escena para retomar su sitio en un gran estado de forma. A disfrutar se ha dicho.

para AbsolutZine